Пабло Пикассо
Автор: Revista Vea y Lea (Аргентина) · лицензия: Общественное достояние · Revista Vea y Lea, общественное достояние · страница файла
| В оригинале | Pablo Picasso |
|---|---|
| Варианты имени | Пикассо, Пабло; Pablo Ruiz Picasso |
| Даты и места | |
| Дата рождения | 25 октября 1881 |
| Место рождения | Малага |
| Дата смерти | 8 апреля 1973 |
| Место смерти | Мужен |
| Гражданство | Испания |
| Деятельность | |
| Сфера | Изобразительное искусство |
| Род занятий | живописец, скульптор, график, керамист |
| Должности | директор музея Прадо (недолго, в годы гражданской войны в Испании) |
| Организации | Французская коммунистическая партия |
| Образование | школа изящных искусств в Барселоне |
| Признание | |
| Известные работы | Авиньонские девицы, Герника, Три музыканта, Портрет Гертруды Стайн, Мир и Война |
| Связи | |
| Связанные люди | Жорж Брак, Анри Матисс, Гертруда Стайн |
| Идентификаторы | |
| Wikidata | Q5593 |
| VIAF | 15873 |
| ISNI | 0000000122755381 |
| Редакционные сведения | |
| Статус | редакционно проверено |
| Структурированных источников | 2 |
| Проверено редакцией | 2 |
| Проверено | Последняя редакционная проверка: 7 сентября 2026 |
Пабло Пикассо (25 октября 1881, Малага — 8 апреля 1973, Мужен) — испанский живописец, рисовальщик, график, керамист и скульптор. Норвежская национальная энциклопедия называет его создателем новых художественных направлений и одним из самых влиятельных художников XX века.[1] Итальянский справочник относит его к безусловным действующим лицам искусства столетия и видит в нём решающий узел между традицией XIX века и современным искусством.[2]
Начало
Уже тринадцати лет Пикассо обнаружил особые способности рисовальщика и живописца. Пятнадцати он поступил в барселонскую школу изящных искусств, где преподавал его отец. В 1897 году он уехал в Мадрид, изучал старых мастеров в Прадо и недолго посещал Академию Сан-Фернандо. Живопись его тогда была вдохновлена Теофилем-Александром Стейнленом и Анри де Тулуз-Лотреком, а также Эль Греко и Франсиско де Сурбараном. В Барселоне он основал в 1901 году журнал «Arte Joven».[1]
Итальянский справочник называет отца по имени: Хосе Руис, преподаватель рисунка и хранитель музея Малаги, — и указывает, что с 1901 года Пикассо подписывался материнской фамилией. Когда семья в 1895 году переехала в Барселону, он вошёл в умственную жизнь города, открытого всем передовым течениям, работал неистово, пробуя разные приёмы, рисовал с натуры, писал портреты друзей и делал афиши для «Четырёх котов» — сборища молодых умов.[2]
Первую поездку в Париж он совершил в октябре 1900 года и заинтересовался прежде всего искусством Стейнлена, Тулуз-Лотрека и Вюйара; в следующие годы он возвращался туда и наконец в 1904-м поселился насовсем, покидая город лишь ненадолго.[2]
Голубой и розовый периоды
Во время пребывания в Париже в 1901—1903 годах его живая и свежая красочность сменилась однотонными синеватыми картинами и более простыми выразительными рисунками, вдохновлёнными Полем Гогеном. Тогда же он оставил импрессионистские мотивы улиц и скачек и обратился к изображению одиноких людей. Пору 1901—1904 годов зовут «голубым» периодом — с его особым кругом сюжетов и красочностью, проникнутой печалью. В Национальном музее в Осло висит картина этой поры — «Мужчина и женщина» (1903).[1]
Первая персональная выставка Пикассо была в 1902 году, а с 1904-го он жил во Франции постоянно. Теперь он писал главным образом цирковых артистов и арлекинов. «Цирковая пора» заняла весь 1905 год; в ней сильны классицистические черты, и она готовит «розовый» период, длившийся до 1907 года.[1]
Итальянский справочник описывает те же две поры так: между 1901 и 1904 годами его работы, повторяющие в сюжетах скорбные выражения тяжёлых человеческих и общественных положений, отличаются стилизованным и колким рисунком и одноцветной синей тональностью, жёстко определяющей объёмы; с 1904 года его холсты и рисунки населяют акробаты, бродячие музыканты и арлекины с нотами нежной печали, а синий сменяется серо-розовыми тонами.[2]
«Авиньонские девицы» и кубизм
Тогда же Пикассо познакомился с Анри Матиссом, Андре Дереном и Жоржем Браком, и всё больше занимали его скульптурные ценности и объём. Уже в 1906 году он начал работать с фигурами, увиденными сразу с двух сторон. Главная вещь этого времени — «Авиньонские девицы» (1907), которая и служит началом кубизма; первые последовательно кубистические картины относятся к следующему году.[1]
Итальянский справочник добавляет к этому и предысторию, и судьбу картины: «Портрет Гертруды Стайн» (1906) уже предвещает упрощением и крепостью форм те работы, на которые прямо повлияло африканское искусство; «Авиньонские девицы» в окончательной редакции — после трёх версий и множества этюдов — стоят в средоточии одержимого поиска всех выразительных возможностей человеческой фигуры в разложении объёмов и в схематическом трактовании планов. Картину показали лишь немногим друзьям, воспроизвели в 1925 году в «La révolution surréaliste» и выставили на Всемирной выставке в Париже в 1937-м.[2]
Пикассо стоит рядом с Жоржем Браком как настоящий основатель кубизма. Внимание к строительным началам в искусстве Поля Сезанна, к «первобытному» искусству и маскам вместе с отказом от линейной перспективы привели к изображению, построенному объёмами и планами, где форма вещи постепенно разлагается в игру граней. Фасеточный кубизм Пикассо длился с 1907 по 1909 год; красочность в нём сведена по большей части к серому и охре.[1]
В 1909—1911 годах Пикассо развил аналитический кубизм с калейдоскопическим разложением действительности — как в «Портрете Амбруаза Воллара» (1910). Тогда же он работал и трёхмерно, исполнив несколько скульптур, в том числе портретных. Пору 1910—1912 годов называют также «герметической». В ней появляются черты возобновлённого внимания к вещественному изображению предмета: вводятся слова и буквы, предметы наклеиваются прямо на холст. Так называемый коллаж возник около 1911—1912 годов. В 1912—1914 годах живопись Пикассо перешла в то, что зовут синтетическим кубизмом, где построение свободно складывается из отвлечённых, часто конструктивно упрощённых элементов действительности.[1]
Между войнами
В последний год Первой мировой войны Пикассо начал работать с русским балетом Сергея Дягилева и со временем сделал несколько балетных оформлений. От 1917—1924 годов остались и многочисленные картины с танцовщицами, пьеро и арлекинами. С 1918 года рядом с его сильно отвлечёнными построениями появляются классицистические формы.[1]
Итальянский справочник относит возврат к предметности к 1915 году: сперва, особенно в рисунках, Пикассо шёл путём строгого классицизма Энгра, затем пытался достичь новой монументальности рядом «колоссальных» фигур, но скоро — особенно в натюрмортах — вернулся к разложению кубистического рода.[2]
В начале 1920-х годов Пикассо написал ряд картин с матерью и ребёнком в тяжёлом, монументальном стиле. Эта неоклассицистическая полоса длилась примерно до 1923 года и сменилась сюрреалистическими чертами, особенно в 1927—1929 годах, когда он свободно играл с органическими элементами — ушами, носами, руками, грудью.[1]
Итальянский справочник говорит, что против господствовавшего по всей Европе классицистического течения Пикассо восстал картиной «Танцовщицы» (1925), в которой кубистическое разложение обращается в настоящий взрыв формы; и хотя к сюрреализму он прямо не примыкал, работы этой поры, где искажение доходит до намеренной чудовищности, считают сюрреалистическими, а собственно сюрреалистическое видение приходится на «пору костей» 1928—1929 годов.[2]
Около 1931 года Пикассо работал со скульптурой.[1][2] На основании набросков долгой поездки по Испании 1934 года он в следующие годы сложил свои большие композиции с быками и сделал главную графическую вещь — «Минотавромахию».[1]
«Герника»
В 1937 году Пикассо написал «Гернику» — протест против войны и фашизма.[1]
Итальянский справочник разбирает картину и её обстоятельства: в годы гражданской войны в Испании Пикассо тяжело переживал беду своей страны и недолго был директором Прадо; беспощадное обличение ужасов фашизма и войны, отметившее яростные офорты к поэме «Мечта и ложь Франко», достигает высшей драматической силы в «Гернике», написанной после немецкой бомбардировки городка и решённой в скупой гамме белого и чёрного: действие стеснено пространством комнаты, и из обломков — разорванных лоскутьев сознания — выступает бык, знак насилия и жестокости. Выставленная в испанском павильоне Всемирной выставки в Париже 1937 года, картина вызвала глубокое волнение и сочувствие; обличение её выходит далеко за пределы вызвавшего её случая.[2]
Война и после
Во время Второй мировой войны Пикассо оставался в Париже. В 1941 году он написал гротескную пьесу «Желание, пойманное за хвост», писал больше всего натюрморты и занимался скульптурой. В 1945 году он всерьёз взялся за литографию и сделал более двухсот листов, по преимуществу большого формата. В 1947 году он начал работать с керамикой в мастерской «Мадура» в Валлорисе и исполнил ряд определивших эпоху керамических вещей.[1]
Во Французскую коммунистическую партию Пикассо вступил ещё в 1944 году и в послевоенные годы развернул сильную политическую деятельность.[1] Итальянский справочник добавляет, что он участвовал в нескольких конгрессах сторонников мира и сделал для парижского конгресса 1949 года плакат с голубем.[2]
От 1952 года остались две главные вещи — «Война» и «Мир»; в остальном искусство его поздних лет имеет более лёгкий характер, вдохновлённый средиземноморской природой, миром античных форм и семейной жизнью.[1]
В 1954 году он исполнил серию из тридцати девяти изображений Сильветты Давид — девушки с конским хвостом. В том же году он начал серию из пятнадцати холстов по «Алжирским женщинам» Эжена Делакруа. Последняя большая его работа — серия картин по «Менинам» Диего Веласкеса и большое стенное убранство для здания ЮНЕСКО в Париже.[1]
Как иллюстратор Пикассо дебютировал ещё в 1905 году, но всерьёз занялся этим родом искусства в 1911-м, иллюстрируя «Святого Маторе́ля» Макса Жакоба.[1]
Музеи
В 1963 году в Барселоне открылся музей Пикассо с картинами, скульптурами и графикой, подаренными Хайме Сабартесом. В 1970 году Пикассо в память того же Сабартеса подарил городу Барселоне около тысячи работ. В Париже, в музее Пикассо, открытом в 1985 году, собрано обширнейшее собрание работ, оставленных им Франции.[2]
Разночтения источников
Расхождений в датах и местах жизни между источниками нет.
Год возврата к предметному изображению после кубизма назван разный: 1918-й у норвежской энциклопедии и 1915-й у итальянского справочника.[1][2] Приведены оба.
Годы работы над «Менинами» и панно для ЮНЕСКО тоже расходятся: норвежская энциклопедия относит панно к 1959 году, итальянский справочник — к 1958-му, а вариации на «Менины» датирует 1957 годом.[1][2] Приведены обе датировки.
Годы «Войны» и «Мира» названы по-разному: 1952-й у норвежской энциклопедии и 1952—1954 у итальянского справочника.[1][2]
О чём говорить осторожно
Русского источника общественного достояния по Пикассо нет: он умер в 1973 году.
Источники прочитаны целиком. Ни разбора отдельных картин по существу, ни истории кубизма как направления, ни личной жизни художника здесь нет: статья намеренно держится проверяемой биографической канвы, и за подробностями следует обращаться к самим прочитанным источникам.
Изображений его работ здесь нет: они охраняются авторским правом.
Примечания
- ↑ 1,00 1,01 1,02 1,03 1,04 1,05 1,06 1,07 1,08 1,09 1,10 1,11 1,12 1,13 1,14 1,15 1,16 1,17 1,18 1,19 редакция Store norske leksikon. Pablo Picasso // Store norske leksikon. — https://snl.no/Pablo_Picasso+
- ↑ 2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10 2,11 2,12 2,13 Picasso, Pablo // Enciclopedia on line, Istituto della Enciclopedia Italiana (Treccani). — https://www.treccani.it/enciclopedia/pablo-picasso+
Литература
- Picasso, Pablo // Enciclopedia on line. — Roma: Istituto della Enciclopedia Italiana.
- Pablo Picasso // Store norske leksikon. — Oslo.